Oye aquí

Jaime Roos

Vamos a recorrer una de las carreras más prolíficas del rock hispanoamericano, un personaje admirado por todos los espectros musicales posibles, hoy desde Montevideo, Uruguay en “Rocanrol Búmerang”: Jaime Roos. Canción 1: Cuando juega Uruguay Canción 2: Y es así Comenzábamos “Rocanrol Búmerang” con dos canciones de Jaime Roos. Primero teníamos Cuando juega Uruguay, una canción obviamente futbolera que recuerda los tablados de las murgas uruguayas; y luego oímos Y es así, con guitarra milonguera. Jaime Roos nació en 1953 en Montevideo, vivió su infancia en el tradicional barrio Sur, y a partir de los trece años toma en serio la música con clases de guitarra clásica. Al mismo tiempo y gracias a su tío el músico Georges Roos y a su madre, tiene contacto con el jazz, la música de los Beatles y la música popular de América Latina. Canción 3: Durazno y Convención Canción 4: Nunca fuiste al cine Hoy en “Rocanrol Búmerang” el principal músico del Rock Uruguayo, Jaime Roos. Recién teníamos Nunca fuiste al cine, seguida de Durazno y Convención, dedicada a la esquina del barrio Sur a la que daba su casa, ambos temas del disco más importante de Jaime Roos: Mediocampo, el quinto de su carrera y cuya carátula muestra a Jaime en una cancha con camiseta rayada y el número tradicional del medio campista: el 5. Entre 1969 y 1975 Jaime Roos se forma como músico contemporáneo, estudiando y participando de múltiples proyectos como músico de sesión en teatro, discos y en grupos de rocanrol o música Uruguaya. Canción 5: Adiós juventud Canción 6: Nadie me dijo nada Jaime Roos, hoy, en “Rocanrol Búmerang”. Adiós juventud y Nadie me dijo nada eran los temas que escuchábamos de uno de los principales músicos Uruguayos. Roos regresó de Europa en 1977 y publicó su primer álbum que desde el título dejaba claro a dónde apuntaba: Candombe, como una de las músicas tradicionales de Uruguay con raíces africanas. Luego Roos regresa a Europa exiliado debido al difícil momento político y social que Uruguay atravesaba en manos de las fuerzas militares. Escuchemos la canción Victoria Abaracón, seguida de Hombre de la calle, dos historias de personajes suburbanos. Canción 7: Victoria Abaracón Canción 8: El hombre de la calle Escuchábamos Victoria Abaracón y El hombre de la calle, de Jaime Roos, figura principal del Rock Uruguayo, hoy en “Rocanrol Búmerang”. En 1982 Jaime Roos graba su disco Siempre son las 4, muy querido por el público uruguayo que empezaba a ver en Jaime a un ícono popular y del rock. Regresó a Uruguay en 1984, un año antes de la restauración de la democracia y publicó su disco más importante: Mediocampo. Jaime Roos se dedicaría de lleno a la exploración de la música tradicional y el rock, la murga adquiere un papel fundamental en sus discos. Escuchemos dos canciones de ambiente murguero y de carnaval, primero escuchemos Despedida del gran tuleque seguida de Retirada. Canción 9: Despedida del gran tuleque Canción 10: Retirada Dos finales ejemplo de murga, primero Despedida del gran tuleque y luego Retirada. Jaime Roos creó el grupo Repique, dando forma a demás a los "candombailes" y a una nueva fase en la música popular uruguaya. Mezcló candombe, milonga y tango con jazz y rock. Discos importantes quedan de esto, Sur de 1987 y Estamos Rodeados de1991 y el álbum en vivo Esta Noche de 1989. En los 90s Jaime Roos es referente imprescindible en la música latinoamericana, en 1997 celebró veinte años de la edición de su primer disco, Candombe, llenando el Teatro Solís nueve noches consecutivas para el disco Concierto Aniversario, emblemático y conmemorativo de la gran carrera de Jaime Roos. Canción 11: Amándote Canción 12: Quince abriles Escuchábamos las canciones Amándote, y Quince abriles. Jaime Roos se convirtió en un reconocido productor y en un compositor magnífico. Laura Canoura. Adriana Varela y la murga Curtidora de Hongos, han estado bajo la batuta de Jaime; y Rubén Blades, Susana Rinaldi, Mercedes Sosa y Bersuit Vergarabat, han interpretado sus canciones. Igual que Hugo y Oswaldo Fatorruso y Rubén Rada ha llevado la música contemporánea uruguaya más allá del Río de la Plata. Jaime Roos es considerado músico fundamental de Hispanoamérica y celebró su aniversario con una gira de asistencia masiva por los 19 departamentos de Uruguay. Llegamos así al final de “Rocanrol Búmerang”, hoy con un bonito homenaje a Jaime Roos, al que muchos consideran el padre del Rock Uruguayo. Terminamos con una canción favorita del público, Cometa farola, dedicada al Club Defensor Sporting, del que Jaime es hincha acérrimo. Umberto Pérez quien me acompaña en la selección musical y libretos y yo, Félix Sant-Jordi, le decimos hasta pronto. Canción 13: Cometa de la farola #Uruguay #Murga #Uruguaya

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Jaime Roos

Vamos a recorrer una de las carreras más prolíficas del rock hispanoamericano, un personaje admirado por todos los espectros musicales posibles, hoy desde Montevideo, Uruguay en “Rocanrol Búmerang”: Jaime Roos. Canción 1: Cuando juega Uruguay Canción 2: Y es así Comenzábamos “Rocanrol Búmerang” con dos canciones de Jaime Roos. Primero teníamos Cuando juega Uruguay, una canción obviamente futbolera que recuerda los tablados de las murgas uruguayas; y luego oímos Y es así, con guitarra milonguera. Jaime Roos nació en 1953 en Montevideo, vivió su infancia en el tradicional barrio Sur, y a partir de los trece años toma en serio la música con clases de guitarra clásica. Al mismo tiempo y gracias a su tío el músico Georges Roos y a su madre, tiene contacto con el jazz, la música de los Beatles y la música popular de América Latina. Canción 3: Durazno y Convención Canción 4: Nunca fuiste al cine Hoy en “Rocanrol Búmerang” el principal músico del Rock Uruguayo, Jaime Roos. Recién teníamos Nunca fuiste al cine, seguida de Durazno y Convención, dedicada a la esquina del barrio Sur a la que daba su casa, ambos temas del disco más importante de Jaime Roos: Mediocampo, el quinto de su carrera y cuya carátula muestra a Jaime en una cancha con camiseta rayada y el número tradicional del medio campista: el 5. Entre 1969 y 1975 Jaime Roos se forma como músico contemporáneo, estudiando y participando de múltiples proyectos como músico de sesión en teatro, discos y en grupos de rocanrol o música Uruguaya. Canción 5: Adiós juventud Canción 6: Nadie me dijo nada Jaime Roos, hoy, en “Rocanrol Búmerang”. Adiós juventud y Nadie me dijo nada eran los temas que escuchábamos de uno de los principales músicos Uruguayos. Roos regresó de Europa en 1977 y publicó su primer álbum que desde el título dejaba claro a dónde apuntaba: Candombe, como una de las músicas tradicionales de Uruguay con raíces africanas. Luego Roos regresa a Europa exiliado debido al difícil momento político y social que Uruguay atravesaba en manos de las fuerzas militares. Escuchemos la canción Victoria Abaracón, seguida de Hombre de la calle, dos historias de personajes suburbanos. Canción 7: Victoria Abaracón Canción 8: El hombre de la calle Escuchábamos Victoria Abaracón y El hombre de la calle, de Jaime Roos, figura principal del Rock Uruguayo, hoy en “Rocanrol Búmerang”. En 1982 Jaime Roos graba su disco Siempre son las 4, muy querido por el público uruguayo que empezaba a ver en Jaime a un ícono popular y del rock. Regresó a Uruguay en 1984, un año antes de la restauración de la democracia y publicó su disco más importante: Mediocampo. Jaime Roos se dedicaría de lleno a la exploración de la música tradicional y el rock, la murga adquiere un papel fundamental en sus discos. Escuchemos dos canciones de ambiente murguero y de carnaval, primero escuchemos Despedida del gran tuleque seguida de Retirada. Canción 9: Despedida del gran tuleque Canción 10: Retirada Dos finales ejemplo de murga, primero Despedida del gran tuleque y luego Retirada. Jaime Roos creó el grupo Repique, dando forma a demás a los "candombailes" y a una nueva fase en la música popular uruguaya. Mezcló candombe, milonga y tango con jazz y rock. Discos importantes quedan de esto, Sur de 1987 y Estamos Rodeados de1991 y el álbum en vivo Esta Noche de 1989. En los 90s Jaime Roos es referente imprescindible en la música latinoamericana, en 1997 celebró veinte años de la edición de su primer disco, Candombe, llenando el Teatro Solís nueve noches consecutivas para el disco Concierto Aniversario, emblemático y conmemorativo de la gran carrera de Jaime Roos. Canción 11: Amándote Canción 12: Quince abriles Escuchábamos las canciones Amándote, y Quince abriles. Jaime Roos se convirtió en un reconocido productor y en un compositor magnífico. Laura Canoura. Adriana Varela y la murga Curtidora de Hongos, han estado bajo la batuta de Jaime; y Rubén Blades, Susana Rinaldi, Mercedes Sosa y Bersuit Vergarabat, han interpretado sus canciones. Igual que Hugo y Oswaldo Fatorruso y Rubén Rada ha llevado la música contemporánea uruguaya más allá del Río de la Plata. Jaime Roos es considerado músico fundamental de Hispanoamérica y celebró su aniversario con una gira de asistencia masiva por los 19 departamentos de Uruguay. Llegamos así al final de “Rocanrol Búmerang”, hoy con un bonito homenaje a Jaime Roos, al que muchos consideran el padre del Rock Uruguayo. Terminamos con una canción favorita del público, Cometa farola, dedicada al Club Defensor Sporting, del que Jaime es hincha acérrimo. Umberto Pérez quien me acompaña en la selección musical y libretos y yo, Félix Sant-Jordi, le decimos hasta pronto. Canción 13: Cometa de la farola #Uruguay #Murga #Uruguaya

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La Grasa de las Capitales - Seru Giran

Te invitamos a recorrer los viejos surcos del rock hispanoamericano. Hoy revisaremos un disco fundamental en la historia del Rock Argentino. Hoy en “Rocanrol Búmerang”: La Grasa De Las Capitales. Canción 1: La grasa de las capitales Comenzábamos justamente con la canción que le da título al álbum, la canción La grasa de las capitales. La historia de este disco comienza tras un fallido show que presentó Serú Girán en julio de 1978 en el festival de la Genética Humana en el estadio de Obras Sanitarias. Serú Girán, es decir, Charly García, David Lebón, Pedrito Aznar y Óscar Moro, recién llegaban de Brasil en donde habían grabado su primer álbum compuesto en las playas de Buzios. La presentación de Serú, que se presentó con una orquesta, fue duramente criticada por la prensa, no sin razón ya, que según los mismos miembros del grupo, años después confesarían que habían llegado creciditos a presentar un muy buen material pero que debido al ambiente social que se vivía en la Argentina no había sido bien recibido ni entendido. Canción 2: San Francisco y el lobo Canción 3: Perro andaluz Acabamos de escuchar las canciones Perro andaluz, cuyo título es una clara referencia a la película de Luís Buñuel y Salvador Dalí, precedida de San Francisco y el lobo, una preciosa canción acústica compuesta por la pareja García-Lebón que recuerda el cuento San Francisco y el Lobo de Gubbio. Tras el fiasco que significó el concierto en Obras. Charly y David tuvieron que ellos mismos promocionar y vender las presentaciones de Serú Girán en una moto y la banda tuvo que en principio, conformarse con shows pequeños en algunos bares de la ciudad de Buenos Aires. Todo este movimiento generado al interior de la banda y el clima social que se vivía en Argentina propició nuevas ideas para un nuevo álbum que se empezaría a grabar a mitades de 1979. Canción 4: Frecuencia Modulada Canción 5: Viernes 3 am Del disco La Grasa De Las Capitales, de los argentinos Serú Girán, escuchábamos las canciones Frecuencia Modulada, una gran canción que en su momento al igual que hoy, genera reflexiones profundas sobre la música que suena en la radio y también sobre los momentos de angustia que atravesaba la sociedad argentina por aquellos años, la canción también está compuesta por David Lebón y Charly García. Luego teníamos Viernes 3 am, una canción tan hermosa como dolorosa escrita por Charly y que hoy es considerada todo un clásico del rock hispanoamericano. Continuando con la historia de este álbum, los estudios ION fueron el cuartel general de Serú para la grabación del disco que desde el principio se pretendió menos barroco y exuberante que el primero y a la vez más contundente; para esto buscaron la sencillez sonora como eje de las canciones. Canción 6: Noche de perros Canción 7: Los sobrevivientes Hoy estamos revisitando el segundo disco de la mítica banda de Rock Argentino, Serú Girán. Justamente del disco La Grasa De Las Capitales teníamos dos canciones que reflejan el aire de desolación de esos años, se trata de Noche de perros y Los sobrevivientes. Pero estas canciones también son una muestra de la precisión musical de Serú Girán, en la que cada uno de los músicos interpreta sus instrumentos de forma magistral sin robar protagonismos, abordando en este caso el tango, y el jazz sumados a las armonías vocales como el rasgo característico de Serú Girán, que en su momento les generó críticas ridículas en la prensa que los tachaba de tener voces hermafroditas. Canción 8: Paranoia y soledad Escuchábamos la pieza Paranoia y soledad compuesta por el bajista de Serú Girán, Pedro Aznar para el disco La Grasa De Las Capitales. En Paranoia y soledad se percibe el atractivo que Aznar sentía por el jazz, un género que Pedro Aznar le imprimió siempre a la música de Serú Girán desde los teclados y su bajo fretless que sin dudas es uno de los rasgos característicos de este disco. Por su parte el recientemente fallecido Óscar Moro también se destaca en este disco gracias a una magistral ejecución de la batería, con fuerza y precisión. Escuchemos ahora la versión en vivo que Serú Girán hizo trece años después en la accidentada reunión del grupo en 1992 de Perro Andaluz en la que se nota como los cuatro miembros de la banda encajaron siempre de forma maravillosa. Canción 9: Perro andaluz (vivo) La grabación y posterior gira en teatros pequeños del disco La Grasa De Las Capitales, le entregó definitivamente a Serú Girán los laureles que con los años los convirtieron en “los Beatles argentinos” y en un fenómeno masivo. Seis presentaciones en el Auditorio Buenos Aires sirvieron de excusa para junto al nuevo material, devolverle los réditos a grandes canciones como Seminaré y Eiti Leda editadas en el primer álbum de la banda. Por otra parte, la parte gráfica del disco también fue novedosa y arriesgada. La tapa del disco simulaba la carátula de una revista de chismes y mostraba a los cuatro miembros del grupo disfrazados como respuesta a las duras críticas que recibieron en un principio en las que decían que Serú Girán enviaba a los dobles a las presentaciones. Escuchemos ahora el tema que cierra el álbum, Canción de Hollywood es un guiño a uno de los hobbies favoritos de Charly García, el cine, una afición que retomaría en canciones siguientes tanto de Serú como en su etapa solista. Canción10: Canción de Hollywood Tras La Grasa De Las Capitales, Serú Girán se convertiría en una avalancha masiva y un mito sin precedentes, en 1980 publicarían Bicicleta, el disco que los consagraría definitivamente, crearían su propio sello discográfico y harían de sus conciertos, verdaderos espectáculos visuales en los que a la música la acompañaban luces y pirotecnia nunca antes vista en un show de rock hispanoamericano. Pero esa es otra historia. Yo Félix Sant-Jordi y Umberto Pérez despedimos hoy “Rocanrol Búmerang” con una preciosa y sentida versión en directo de San Francisco y el lobo, hecha años después por David Lebón y Pedro Aznar. Hasta pronto. Canción 11: San Francisco y el lobo #RockArgento #RockArgentino #CharlyGarcia #DavidLebon #PedroAznar

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Sentimiento Muerto

Hoy, la vida de quizá la agrupación más importante de Rock Venezolano; una banda que se convirtió en un mito gracias a su música y a su hinchada fiel. Un grupo que con apenas tres discos quedó en el inconsciente colectivo de los roqueros venezolanos y los de Hispanoamérica. Yo soy Félix Sant-Jordi y en compañía de Umberto Pérez, a cargo de los libretos y la investigación, les damos la bienvenida a “Rocanrol Búmerang”. Hoy, los Sentimiento Muerto. Canción 1: Manos frías Canción 2: Culebrón Escuchábamos las canciones Manos frías y Culebrón, parte del primer disco de Sentimiento Muerto, editado en 1987, titulado El Amor Ya No Existe y producido por el mismísimo Fito Páez por entonces en un momento muy fuerte de su vida reflejado en el disco Ciudad de Pobres Corazones y en este disco de Sentimiento Muerto. La banda comienza en 1981 en Caracas haciendo punk inspirado en Sex Pistols y Joy Division. Cayayo Troconis en guitarra, Pablo Dagnino en voz principal y teclados, José ‘pingüino’ Echezuría en la guitarra, Wincho Schaeffer en el bajo y Alberto Cabello en la batería, Arrancan Sentimiento Muerto. Cancón 3: Cabeza Canción 4: Una mirada dice todo, dice nada Del disco El Amor Ya No Existe, de Sentimiento Muerto, las canciones Cabeza y Una mirada dice todo, dice nada. Dispuestos a hacer sonar su música, Sentimiento Muerto comienza a distribuirla en casetes grabados de manera casera y poco a poco empiezan a obtener un número creciente de fervientes admiradores. Sentimiento Muerto, sería reconocida tiempo después como la primera banda venezolana en usar la publicidad urbana para darse a conocer. Vamos ahora con dos canciones más del primer disco de Sentimiento Muerto, escuchemos Descargar y luego Educación anterior. Canción 5: Descargar Canción 6: Educación anterior Al igual que los Sex Pistols, los venezolanos Sentimiento Muerto vieron en la publicidad una herramienta adecuada para llegar a un público más amplio. Aunque Sentimiento Muerto, no contaba con todo la parafernalia que Malcom McClaren le proporcionó a Sex Pistols, la creatividad y la osadía les bastó para llenar las calles y los rincones de Caracas, incluyendo baños públicos y de centros comerciales con grafitis del logo de la banda. Este precario intento de marketing le propició a la banda el interés de los jóvenes artistas urbanos y de muchos jóvenes rebeldes de Caracas. Canción 7: Ojos chinos Canción 8: Nada sigue igual Hoy en “Rocanrol Búmerang” Sentimiento Muerto, uno de los principales grupos en la historia del Rock Venezolano. Escuchábamos Ojos chinos y Nada sigue igual, de su segundo disco, Sin Sombra No Hay Luz, de 1989. Con poco tiempo de carrera Sentimiento Muerto obtuvo fenomenales acogidas en la concha acústica de Bello Monte y el Gran Café de Sabana Grande. Se hicieron populares sin grabar un disco, sólo grabaciones caseras de conciertos. Una de estas, en el Teatro Mata de Coco, que llenaron a reventar dos noches seguidas en 1986, llegaría hasta Miguel Ríos, el gran roquero español, que los invitó al Encuentro de Rock Iberoamericano, junto a Charly García, Paralamas y El Último de la Fila. Canción 9: Sin sombra no hay luz Canción 10: Ayug payé Escuchábamos las canciones Sin sombra no hay luz, que titula el segundo disco de Sentimiento Muerto, y Ayug Payé. Luego de sus exitosas presentaciones en España, graban el disco El Amor Ya No Existe producido por Fito Páez, el disco de rock más vendido en Venezuela hasta entonces. Dos años después Alberto Cabello se retira para estudiar música en Berklee College en Boston y es sustituido por Sebastián Araujo, Sentimiento Muerto graba su segundo álbum, con un sonido new wave propio, pero curioseando con el reggae. El video-clip de El payaso llegó a ser rotado por MTV USA, fue rodado en el CBGB, el club punk donde tocaban los Ramones. Escuchemos esa canción: El payaso. Canción 11: El payaso Canción 12: Eva Del último disco en estudio de Sentimiento Muerto titulado Infecto de Afecto, escuchábamos la canción Eva. El disco producido por el argentino Mariano López encontró a un grupo que empezaba a sentir el agotamiento de tantos años de luchar por mantener una idea y un estilo, así Wincho Schaeffer y “Pingüino” Echezuría renunciaban a la banda sucediéndole en su lugar antes de la grabación del disco. Escuchemos ahora la canción Fin del cuento que daría nombre a la compilación que saldría en 1993 como señal de la definitiva separación del grupo. Canción 13: Fin del cuento Paradójicamente y luego de una gira por Bogotá en 1992 y una serie de presentaciones en Caracas, dice la leyenda que el 10 de Septiembre en la fuente de soda El León, decidieron disolver la banda por diferencias conceptuales y artísticas irreconciliables. Sin embargo Sentimiento Muerto fue la primera banda venezolana en dejar un legado con tenacidad y consistencia musical e ideológica. Dermis Tatú fue la banda secuela de Sentimiento Muerto hasta la muerte de Cayayo a los 31 años víctima de un paro respiratorio. Llegamos así al final de “Rocanrol Búmerang”. Nos despedimos con la canción El barco. Soy Félix Sant-Jordi, Umberto Pérez me acompaña en la investigación y libretos. Hasta la próxima. Canción 14: El barco. #Venezuela #Rock

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Alaska

Hoy recorreremos la carrera y las canciones de una de las artistas más importantes del rock y el pop hispanoamericano. Umberto Pérez y yo Félix Sant-Jordi te damos la bienvenida a nuestro especial sobre Olvido Gara, más conocida como Alaska. Canción 1: La funcionaria asesina Canción 2: Horror en el hipermercado Escuchábamos dos de las más importantes canciones de Alaska. Teníamos primero La funcionaria asesina perteneciente al álbum No es pecado de 1986 como Alaska y Dinarama y posteriormente escuchábamos Horror en el hipermercado del álbum Alaska y los Pegamoides de 1982, por supuesto como Alaska y Los Pegamoides. Hay que recordar que Alaska ha hecho toda su carrera en compañía del músico español Nacho Canut, quien ha sido siempre el inseparable compañero musical de Alaska. Pero volviendo a ella, Olvido Gara, una chica mexicana nacida en 1963 que arribó a Madrid en los años setenta, se convertiría a finales de la década en Alaska una de las figuras primordiales de la Movida Madrileña. Ella, Olvido Gara, una vez conoce el fascinante mundo subterráneo de Madrid, se rebautiza como Alaska en honor a Lou Reed y a la canción Carolina says y se junta con otros personajes imprescindibles en la historia del Rock español. Canción 3: Perlas ensangrentadas Canción 4: Cómo pudiste hacerme esto a mí De Alaska y Dinarama escuchábamos las canciones Perlas ensangrentadas, seguida de Cómo pudiste hacerme esto a mí, de los discos Canciones profanas y Deseo Carnal respectivamente. La historia de Alaska y por supuesto de Nacho Canut comienza oficialmente en 1978 cuando en compañía de Carlos Berlanga y Enrique Sierra crean la banda Kaka de Luxe, una banda punk con fuertes inclinaciones hacia el new wave que apenas alcanzaría a grabar algún sencillo y un disco que se publicó cuando la banda ya no existía. Sin embargo, la importancia de Kaka de Luxe, se reflejaría en la aparición de bandas como Los Pegamoides y Radio Futura. Canción 5: Bailando Canción 6: La rebelión de los electrodomésticos Acabamos de escuchar La rebelión de los electrodomésticos precedida de la canción Bailando, las dos pertenecen a la corta discografía de Alaska y Los Pegamoides. Finalizada la banda Kaka de Luxe, Alaska, Nacho Canut y Carlos Berlanga deciden unir sus fuerzas a Ana Curra y a Eduardo Benavente para dar forma a un proyecto con tendencias mucho más pop que Kaka de Luxe. El componente electrónico es fundamental entonces para el éxito que tendrían Alaska y Los Pegamoides. Paradójicamente Los Pegamoides también tuvieron una corta existencia que daría paso a otras dos bandas importantes, por un lado Ana Curra y Eduardo Benavente crearían Parálisis Permanente, un dueto bastante oscuro de punk con fuertes inclinaciones góticas, y por otro lado, Berlanga, Canut y Alaska darían forma a Alaska y Dinarama, mucho más pop que lo que venían haciendo en Los Pegamoides. Canción 7: Quiero ser santa Canción 8: A quién le importa Hoy en “Rocanrol Búmerang” estamos repasando la historia de Olvido Gara, o mejor, de Alaska una de la mujeres más importantes en el Rock español y también de su compañero musical Nacho Canut. Escuchábamos dos canciones de la etapa Dinarama, primero teníamos Quiero ser santa, una canción original de Parálisis Permanente, pero en versión de Alaska y Dinarama en compañía de la vocalista de Parálisis, Ana Curra. Luego escuchábamos el clásico de 1984 A quién le importa, perteneciente al disco Deseo Carnal. El éxito de Alaska y Dinarama en los años ochenta es impresionante, canciones como Ni tu ni nadie y ¿A quién le importa? rotaron hasta el cansancio por las radio españolas. La historia de Alaska y Dinarama concluye tras la edición de Fan Fatal en 1989 con la partida de Carlos Berlanga por incompatibilidad musical con Nacho Canut y Alaska. Esta división daría pie al proyecto de Canut y Alaska como dueto llamado Fangoria. Canción 9: Sospechas Canción 10: Sálvame Las dos canciones que recién escuchábamos son Sospechas de Alaska y Dinarama y Sálvame, de Fangoria de la serie de 3 discos Un día cualquiera en Vulcano, entre el 92 y 95. Para entonces la Movida Madrileña ya era historia y, Olvido Gara decide no incluir la palabra Alaska en su nuevo proyecto con Nacho Canut. Salto Mortal de 1991 dejaba claro entonces que Alaska y Canut decidían dedicarse por completo en las secuencias electrónicas y las máquinas de ritmos como columna vertebral de su música. Esta propuesta no tuvo muchos adeptos del público general, convirtiéndose entonces en un grupo de culto que avanzaba sobre las nuevas tendencias como el trip-hop. Escuchemos ahora dos canciones de diferentes épocas de Alaska y Nacho Canut, primero El rey del glam, de la época de Dinarama seguido de abre los ojos de Fangoria en 1999. Canción 11: El rey del glam Canción 12: Abre los ojos. Pues bien, la diferencia entre El rey del glam y Me odio cuando miento, las canciones que pasábamos recientemente es enorme, pero la presencia de Alaska y Nacho Canut se nota en las dos canciones. Tan sólo hasta finales del Siglo XX, Fangoria fue reconocido de manera masiva tras sufrir el olvido y las odiosas comparaciones con los años ochenta. Una temporada En El Infierno, es el acertado título del álbum que les hizo cosechar nuevos éxitos en 1998 bajo el sello independiente Subterfuge Records; canciones pop como Me odio cuando miento, pusieron a Alaska y a Nacho Canut en el lugar que les corresponde dentro del rock y el pop español. El nuevo siglo traería mayores recompensas y nuevos discos para Alaska y como no, para Nacho Canut. Así entonces llegamos al final de “Rocanrol Búmerang”. Canción 13: Me odio cuando miento. Yo soy Félix Sant-Jordi y Umberto Pérez me acompaña en la investigación y los libretos. Nos despedimos con la preciosa remezcla de la canción de Fangoria, Cómo solucionar problemas del corazón en condiciones atmosféricas adversas. Canción 14: Cómo solucionar problemas del corazón en condiciones atmosféricas adversas. Canción extra: Deja de bailar.

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Fobia



Te damos la bienvenida a explorar otro vasto territorio del rock hispanoamericano. Hoy en “Rocanrol Búmerang” revisitaremos la historia de una de las bandas mexicanas más importantes de los años noventa. Una banda divertida pero a la vez elegante, que encontró en el rocanrol clásico y el new wave la fórmula precisa para poner a bailar y a rocanrolear a muchos jóvenes de Hispanoamérica. Hoy en “Rocanrol Búmerang”: Fobia.

Canción 1: La iguana
Canción 2: El crucifijo

La iguana y Crucifijo son las canciones de Fobia que acabamos de escuchar. La historia de Fobia, al igual que la mayoría de las buenas bandas de rocanrol,  comienza en una tarde cuando varios amigos de colegio deciden armar un grupo de rock. En 1987 Paco, Iñaki, Jay, Cha y Leonardo dan el primer paso de lo que sería una de las mejores bandas de Rock Mexicano. A todos, además de la pasión por el rock, los identifica un sentido del humor negro y una acidez propia de los adolescentes más rebeldes. Sin embargo dicho humor negro se perpetuaría con la edad y se vería reflejado en las canciones de la banda.

Canción 3: Camila
Canción 4: Dios bendiga los gusanos

Escuchábamos Dios bendiga los gusanos y antes de esta teníamos la canción Camila. Entre 1987 y 1990 los integrantes de Fobia fueron redondeando la idea del grupo que querían al punto de conseguir un sonido propio que si bien partía de influencias del new wave, el funk y del rock más zeppeliano; el uso de sintetizadores, la voz de Leonardo y las letras de amor cargadas de ironía pura marcaron un estilo definitivo para la banda que los distinguiría de los demás grupos mexicanos. Escuchemos ahora las canciones Maten al DJ una divertida canción que bien puede ser un despistado homenaje a la canción Hang the DJ de la banda británica The Smiths y en seguida de esta escuchemos La miel del escorpión.

Canción 5: Maten al DJ
Canción 6: La miel del escorpión

Continuamos acá en “Rocanrol Búmerang” revisitando los clásicos de la agrupación mexicana Fobia. En 1990 Fobia consiguió grabar su primer disco al que titularon de manera escueta Fobia, de igual manera que el grupo. Este disco que fue grabado y mezclado en la ciudad de Nueva York, fue recibido con mucha expectativa por los seguidores de la banda y también por la crítica especializada ya que veía en Fobia una banda diferente y promisoria, poseedora de actitud y  talento desbordante. El disco entonces tuvo resultados tan favorables en el plano de la industria y en el plano del arte que la banda rápidamente se convertiría en un referente para los jóvenes roqueros mexicanos.

Canción 7: Mundo feliz
Canción 8: Descontrol

Escuchábamos las canciones Descontrol precedida de Mundo feliz que le da título al segundo disco de Fobia, publicado en 1991. Este disco también fue grabado en la ciudad de Nueva York y al igual que el primero, las historias de las canciones encuentran a personajes que parecieran ser extraídos de cómics y también de la realidad subterránea y oculta de las ciudades del tercer mundo. Así, las canciones están envueltas de ficción y verosimilitud fundidas de manera brillante en ritmos frenéticos. Es el caso de Los cibernoides y Mira Teté (mientras más fumo más te quiero) canciones que escucharemos a continuación.

Canción 9: Los cibernoides
Canción 10: Mira Teté (mientras más fumo más te quiero)

Hoy en “Rocanrol Búmerang” la agrupación mexicana Fobia. Una vez más Nueva York fue la base de operaciones de Fobia para la grabación del disco Leche de 1993, el tercero de su carrera, y esta vez la producción corrió a cargo de los mismos músicos de la banda. Esta labor contribuyó a que el sonido se ajustará más a los intereses artísticos del grupo, pero no sería sino hasta Amor Chiquito de 1995, el siguiente disco de la banda (que además fue producido por Gustavo Santaolalla) que Fobia alcanzaría la cima de su creatividad y de popularidad alejándose un poco del sonido new wave y coqueteando con el sonido clásico de bandas como los Rolling Stones y los Black Crowes.

Canción 11: Revolución sin manos

Escuchábamos el clásico de Fobia, Revolución sin manos, correspondiente al exitoso disco Amor Chiquito. La gira del disco Amor Chiquito llevó a Fobia a recorrer gran parte del continente americano, tras una breve gira por ciudades como Nueva York y Los Ángeles en los Estados Unidos, Fobia recorrería casi todo México y ciudades tan importantes como Santiago de Chile y Buenos Aires. Fobia visitaría Bogotá en dos oportunidades una en 1996 y otra un año antes siendo ilustres invitados en el primer y mítico primer Festival Rock al Parque. Fobia fue en ese año la única banda mexicana invitada, dejando así una sensación inmejorable respecto del rock mexicano y propiciando además, la futura invitación a muchísimas bandas de México. Paradójicamente tras el éxito de Amor Chiquito, Fobia decide entrar en un largo receso presentando previamente una suerte de recital de despedida en 1997 en el Teatro Metropolitan de Ciudad de México del que quedaría el disco en directo Fobia On Ince. Fobia regresaría en 2005 a los escenarios tras la edición del disco Rosa Venus con canciones nuevas devolviendo así la alegría a los miles de seguidores que siempre bailaron y se rieron con las canciones de Fobia. Yo, Félix Sant-Jordi y Umberto Pérez que me acompaña en los libretos, cerramos un capítulo más de “Rocanrol Búmerang” con la canción Fiebre. Hasta pronto.

Canción 12: Fiebre.
Canción Extra (bonus track): Perra Policía.

#RockMex #Mexicano

Radical Sonora - Enrique Bunbury


Hoy revisitaremos un disco con 20 años de vida pero que ha ido cayendo en el olvido, es el primer disco en solitario del zaragozano +Enrique Bunbury. Radical Sonora invadirá la frecuencia de tus oídos a lo largo de la siguiente hora. Soy Félix Sant-Jordi, Bienvenidos a “Rocanrol Búmerang”.

Canción 1: Big-Bang
Canción 2: Negativo

Escuchábamos las dos primeras canciones que abren el disco Radical Sonora, se trata de Big-Bang, un tema que define desde el inicio la sonoridad del álbum, seguida de Negativo. Este es un disco que explora profundamente las posibilidades de la música electrónica dentro del rock, en especial la música lograda a través de los computadores. También en ese momento, es decir, en 1997, representó el mayor desafío para Bunbury, ya que su vida al lado de una banda de rock duro como Héroes del Silencio le había impuesto ante el público una forma determinada que decididamente quiso romper con Radical Sonora. Escuchemos ahora las canciones Encadenados y Contracorriente.

Canción 3: Encadenados
Canción 4: Contracorriente

1997 significó un punto y aparte en la carrera de +Enrique Bunbury. Hasta 1996 trabajó duramente con la agrupación que le dio un lugar dentro del rock hispanoamericano. Después de cuatro discos en estudio y exitosas giras por Europa y América Latina, Héroes del Silencio entró en un receso que derivaría en un brillante camino musical de Bunbury mucho más rico que el simple hard-rock que hizo siempre con la banda. Sin embargo, Radical Sonora se convertiría con los años en el álbum más extraño dentro de la discografía de Bunbury en solitario, un disco por cierto, muy influenciado por los discos electrónicos del David Bowie de los años noventa.  Continuando con la música escuchemos ahora las canciones Planeta Sur seguida del clásico Alicia (expulsada el País de las Maravillas).

Canción 5: Planeta Sur
Canción 6: Alicia (expulsada al País de las Maravillas)

Retomando la historia de Radical Sonora de Enrique Bunbury; el disco contó al igual que Avalancha (el último disco de Héroes del Silencio) con la producción del ex-Roxy Music (una importante banda de glam de los años setenta), Phil Manzanera. Este gran músico y productor trabajó también entre 1994 y 1997 con artistas hispanoamericanos de la talla de Aterciopelados, Fito Páez y Robi Draco Rosa. Según el mismo Bunbury, fue Manzanera quién entendió e hizo realidad el sueño sonoro que, él, Bunbury, quería hacer realidad.

Canción 7: Salomé
Canción 8: Servidor de nadie

Acabamos de escuchábamos acá en “Rocanrol Búmerang” la canción Servidor de nadie y antes de esta teníamos el primer single del disco Radical Sonora, se trata de Salomé una canción con arabescos que nos dejan ver los interese de Bunbury por las músicas del mundo. Salomé es junto con Alicia… los únicos temas del disco que Bunbury aun interpreta en directo. El periodo de composición y grabación del disco, ocupó la primera parte del año 1997, y llevó a Bunbury a escribir en lugares como Guatemala, San Juan de Puerto Rico, Los Ángeles, luego componer nuevo material en Marruecos y finalmente grabar en Londres.

Canción 9: Despacio
Canción 10: Polen

Del primer disco solista de Enrique Bunbury, titulado Radical Sonora, escuchábamos las canciones Despacio y Polen. Tras la grabación del disco, Bunbury se embarcó en una gira que le llevó durante un año por América Latina, Estados Unidos y Europa. En todas las ciudades que visitó, las críticas fueron diversas, por un lado la prensa especializada elogiaba al nuevo Bunbury y por otro, muchos de los viejos fanáticos de Héroes del Silencio no lo encontraron divertido. Este hecho generó en Bunbury una profunda crisis que lo movería a adoptar una postura mucho más kamikaze. Escuchemos ahora la canción Nueve.

Canción 11: Nueve

Si Radical Sonora se concentraba en el tecno-rock, la psicodelia y la música árabe, los siguientes trabajos de Bunbury estarían enraizados en la música popular latinoamericana y la música de vodevil. Entonces la ranchera, el bolero, el tango, el vals y también sonidos balcánicos y del Mediterráneo ocuparon el espectro sonoro de Bunbury. Junto a estos, un fervoroso ambiente de cabaret, impregnaron sus discos y puestas en escena posteriores que tras cinco álbumes, llegaría a su punto culmen con Freak Show una gira realizada en 2005. De esta forma llegamos al final de “Rocanrol Búmerang”, hoy revisitamos Radical Sonora el primer disco solista de Bunbury. Nos despedimos con Alfa, canción que cierra el disco. Mi nombre es Félix Sant-Jordi y en los libretos y la investigación me acompaña Umberto Pérez. Hasta pronto.

Canción 12: Alfa


Doble Vida - Soda Stereo


Bienvenidos a un repaso por la historia del rock hispanoamericano, que cuenta con más de cuatro décadas y muchísimos personajes, bandas y músicos que han hecho, que nuestras vidas sean más divertidas y llevaderas. Hoy un clásico del rock hispanoamericano, un álbum de se quedó grabado en el inconsciente colectivo apenas unos meses después de publicado. Soy  Félix Sant-Jordi y Umberto Pérez me acompaña en la investigación, los invitamos a caminar entre los surcos del disco Doble Vida.

Canción 1: Picnic en el 4°B

Del álbum Doble Vida, de la disuelta agrupación argentina Soda Stereo, editado en 1988 escuchábamos el tema que abre el disco, Picnic en el 4°B, un tema que representa fielmente tanto el sonido de la banda como el sonido característico de los años ochenta, cargado de riffs ligeros de guitarra ambientados por sintetizadores y letras absolutamente hedonistas. Y es que, Picnic en el 4°B refleja también el momento por el que Soda Stereo atravesaba. Un par de años antes la banda había conquistado su país con los discos Nada Personal y Signos; y ahora se encaminaban a conquistar todo el territorio latinoamericano casi de forma impensada, así que para 1988 la tarea parecía cumplida.

Canción 2: Día común-Doble vida
Canción 3: Corazón delator

Escuchábamos los clásicos Corazón delator precedido de Día común-Doble vida que enmarca el título álbum de Soda Stereo: Doble Vida. Si bien “Soda” comenzó su carrera local en 1982  y en 1984 ya habían grabado su primer disco; entre 1987 y 1988 la popularidad del grupo creció por toda Latinoamérica llegando a realizar conciertos en 17 ciudades de la región, consolidándola como la máxima agrupación de rock en Hispanoamérica durante los años ochenta. El sonido de la banda en directo durante esos años quedó registrado en el disco Ruido Blanco de 1987. Acerquémonos un poco a ese momento y de ese disco escuchemos Juego de seducción.

Canción 4: Juego de seducción

En Junio de 1988 después terminar en el estadio de Obras Sanitarias, en Buenos Aires, la exitosa gira de su disco Signos ante más de 25.000 personas, Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti, se trasladan a la ciudad de Nueva York para grabar su siguiente disco que en principio se titularía “En la Ciudad de la Furia” un nombre bastante acertado para la ciudad donde se concibió el disco. La producción del disco estuvo a cargo del guitarrista Carlos Alomar, un magnífico músico de sesión que acompañó a David Bowie en álbumes como Young americans y Let’s dance, esta experiencia se vería reflejada en el sonido de Doble Vida.
Canción 5: En la ciudad de la furia

Escuchábamos el clásico de Soda Stereo, En la ciudad de la furia. El disco Doble Vida está claramente influenciado por la presencia de Carlos Alomar y el característico sonido funk que por entonces reaparecía en la escena musical de los Estados Unidos en figuras tan portentosas como Prince y en los músicos de rap como Run DMC. De esta forma, los vientos adquieren un papel principal en la música de “Soda” y canciones como En el borde integran el rap a su estructura. Escuchemos entonces  El ritmo de tus ojos una canción bastante funky seguida de En el borde.

Canción 6: El ritmo de tus ojos
Canción 7: En el borde

Hoy en “Rocanrol Búmerang” un clásico en la discografía del rock hispanoamericano, el disco Doble Vida de Soda Stereo. Este disco es considerado como la cumbre de la madurez musical de la banda argentina; si bien el álbum está compuesto por clásicos definitivos, estos no se alejan del pop sofisticado que siempre caracterizó a Soda Stereo pero sí alcanzan un nivel compositivo nunca antes logrado por la banda. Escuchemos ahora la canción Mundo de quimeras que, aunque no hizo parte de Doble Vida, fue la canción inédita que acompañó la edición de un EP titulado Los Languis que contenía tres canciones del disco en cuestión.

Canción 8: Mundo de quimeras
Canción 9: Los languis

Escuchábamos el tema Los languis del disco Doble Vida de Soda Stereo de 1988. La gira del disco convirtió, sin lugar a dudas, a “Soda” en la mejor agrupación de rock hispanoamericano durante los años ochenta y la primera mitad de los años noventa. El 27 de Diciembre de ese año la banda se presentó ante más de 150.000 personas en el corazón de Buenos Aires, la Avenida 9 de Julio, durante el marco del festival “Tres días por la democracia”, en el aniversario del regreso de la democracia a Argentina. En el festival participaron también  Charly García, Spinetta y Fito Páez entre otros pero el año era de “Soda” y la multitud así lo dejó claro yendo a ver a Soda Stereo.

Canción 10: Terapia de amor intensiva

Del disco Doble Vida de Soda Stereo, escuchábamos Terapia de amor intensiva, la canción que cierra el disco. La armonía entre la música y las letras encuentra entonces en Doble Vida el disco de quiebre y de definitivo despegue artístico de Soda Stereo. Giras interminables por toda Latinoamérica y hordas de fanáticos aclamando al trío argentino después de Doble Vida, demostraron que la popularidad de la banda al igual que una bebida con soda subió hasta rebosar. Vinieron entonces discos espléndidos como Canción Animal, Dynamo, Sueño Stereo, Música para Volar y la despedida titulada El Último Concierto. Esta magnífica colección de álbumes confirmó que a diferencia de la espuma que rápidamente se deshace; la música de Soda Stereo subió para quedarse en el alma de miles de jóvenes latinoamericanos. Soy Félix Sant-Jordi y Umberto Pérez me acompaña en la investigación. Nos despedimos hoy con el clásico Lo que sangra (la cúpula). Hasta pronto.

Canción 11: Lo que sangra (la cúpula)


Joaquín Sabina

Hoy, el programa estará dedicado a uno de los artistas más importantes de la música popular hispanoamericana de los últimos treinta años, se trata del español Joaquín Sabina. Comencemos con la canción El caso de la rubia platino del álbum 19 días y 500 noches. Canción 1: El caso de la rubia platino Joaquín Sabina nació el 12 de Febrero de 1949 en la provincia de Úbeda y desde muy temprano sintió gusto por la literatura y las letras, una afición heredada de su padre. A la edad de catorce años Sabina ya escribía en verso a la vez que formaba su primera banda de rocanrol, aun así, era la poesía lo que más gustaba a Joaquín y esto lo llevó a colaborar con la revista literaria Poesía 70. Por otro lado, el joven Sabina de espíritu idealista y atraído por ideas revolucionarias en 1970, hace estallar un cóctel molotov en el Banco de Bilbao a nombre del separatismo vasco exiliándose consiguientemente en Londres. Canción 2: La del pirata cojo Escuchábamos la versión en directo de la canción La del pirata cojo. Sabina regreso del exilo a Madrid en 1977 con la publicación del poemario Memoria del exilio bajo el brazo, muchos de estos poemas harían parte de su primer disco al que tituló Inventario y que se publicaría en 1978 iniciando de esta manera su exitosa carrera como músico y escritor de canciones, algo que resulta paradójico si se tiene en cuenta que como Sabina mismo advierte, siempre quiso ser el poeta Antonio Muñoz Molina y no Bob Dylan. Escuchemos ahora una versión en concierto de Calle melancolía una de las más importantes canciones de Malas compañías, su segundo disco. Canción 3: Calle melancolía Canción 4: Princesa Princesa es el nombre de la canción que recién escuchamos. Continuando con la carrera de Joaquín Sabina, por los días de Malas compañías, Sabina instalado en Madrid se presentaba habitualmente en el club La Mandrágora junto a un par de músicos amigos suyos, el entrañable Javier Krahe y Alberto Pérez, de estas presentaciones quedó grabado el disco La Mandrágora un directo que recoge algunas de las mejores canciones del trío cargadas de sarcasmo. La época de La Mandrágora dejaría en Sabina el profundo deseo de siempre divertir a su público en donde quiera que se presentase. Pasemos a la música y escuchemos la canción Rap del optimista. Canción 5: Rap del optimista Hoy en “Rocanrol Búmerang” el programa dedicado al rock hispanoamericano estamos haciendo un recorrido por la vida del español Joaquín Sabina. El inicio de los años ochenta encuentra a Madrid en un momento álgido con la aparición de una serie de grupos musicales con tendencias al punk y al new wave, esta coyuntura se dio a conocer al mundo entero como La Movida Madrileña que contaba con grupos como Los Pegamoides, Radio Futura, gabinete Caligari y Nacha Pop. En medio de la delirante “Movida”, Sabina da un paso más en su carrera musical siguiendo los pasos sus amados Bob Dylan y Leonard Cohen, electrificando su música alejándola del formato acústico de guitarra y voz. Canción 6: Mentiras piadosas Del disco Mentiras Piadosas escuchábamos la canción del mismo título. En 1983 Sabina publica su primer álbum de rock con el título Ruleta Rusa. No sería sino hasta dos años después con el disco Juez y Parte y con BMG (su nueva casa disquera) que obtendría el reconocimiento nacional; esto se vería comprobado con el concierto Joaquín Sabina & Viceversa en el Teatro Salamanca de Madrid en 1986, de este concierto quedo un álbum doble que incluye colaboraciones con Javier Krahe, Luís Eduardo Aute y Javier Gurruchaga, el líder de la Orquesta Mondragón para la que Sabina compuso varios temas. Canción 7: Pisa el acelerador Escuchábamos la canción Pisa el acelerador a dúo con Javier Gurruchaga. El reconocimiento de Sabina durante la década de los años ochenta iría creciendo disco tras disco, y año tras año. Tras la publicación de Hotel, Dulce Hotel y El Hombre del Traje Gris, Joaquín se convertiría en uno de los músicos más admirados y respetados en América Latina, haciendo de Buenos Aires y Ciudad de México, ciudades obligatorias en sus vivitas al continente. Volvamos a la música y escuchemos la canción Pastillas para no soñar que cuenta con la colaboración de Andrés Calamaro. Canción 8: Pastillas para no soñar Tras la caída del muro de Berlín, Sabina nada ajeno a la situación vertiginosa de los años noventa, siguió grabando canciones de un alto sentido literario con las que la gente del común se siente identificada. Desde 1992 con el álbum Física y Química hasta el día de hoy Joaquín ha logrado hacer de sus discos, piezas imprescindibles para la música popular hispanoamericana. Colegas y amigos de la talla de Charly García, Joan Manuel Serrat, Silvio Rodríguez o Andrés Calamaro, reconocen en Sabina al mejor escritor de canciones de lengua castellana y a un músico impresionante. Escuchemos ahora la canción Más de cien mentiras. Canción 9: Más de cien mentiras Canción 10: Pacto entre caballeros Escuchábamos la versión en directo de Pacto entre caballeros. El éxito de Joaquín se consolidó definitivamente en 1999 tras la publicación del disco 19 Días y 500 Noches, con este, Sabina alcanzó el estatus de megaestrella “abarrotando” cualquier teatro o coliseo donde se presentara. Tras serios problemas de salud, Sabina demostró que su genialidad, popularidad y vigencia mejoran con los años. El 2006 Joaquín Sabina se presentó de manera grandiosa en la ciudad de Bogotá con cerca de 4000 personas aclamándolo, seguido de esto, llenó el estadio La Bombonera de Buenos Aires en dos conciertos consecutivos cosas apenas lograda por U2 y los Rolling Stones convocando cada noche a más de cuarenta mil personas. Y así, llega a su fin “Rocanrol Búmerang” no sin antes prometerles otro especial sobre Sabina. Yo soy Félix Sant-Jordi y en la investigación me acompaña Umberto Pérez. Nos despedimos con la canción Y sin embargo. Canción 11: Y sin embargo

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Rock Argentino

Hola, esto es “Rocanrol Búmerang”, dedicado a explorar las diferentes corrientes que han aparecido en la historia del #rock #hispanoamericano, una historia con más de cuarenta años que ha producido músicos espléndidos y canciones que son parte del inconsciente colectivo hispanoamericano. El programa de hoy está dedicado a recordar canciones del rock #argentino que ya hacen parte de la cultura musical del continente. Bienvenidos. Canción 1: El satánico Dr. Cadillac Canción 2: Los Condenaditos De Los Fabulosos #Cadillacs escuchábamos dos de sus canciones representativas, primero El satánico Dr. Cadillac del álbum del mismo nombre de 1989 y luego Los condenaditos de su último disco en estudio llamado La Marcha del Golazo Solitario editado en 1999. “Los Cadillacs” representaron durante más de 15 años la música festiva del continente mezclada con la canción social. Así la banda expresaba en un reggae o un ska las dolencias y vivencias de las juventudes de los barrios miserables de Buenos Aires y también a través de una balada o un bolero alguna historia de amor posible en cualquier lugar del continente. Canción 3: D-Generación Canción 4: Montañas de agua De la agrupación #Babasónicos escuchábamos los temas D-Generación, un hit del año 1992 correspondiente a su disco debut titulado Pasto y en seguida Montañas de agua de su segundo álbum, Trance Zomba de 1994. Algo que siempre ha caracterizado a Babasónicos es su rol de banda iconoclasta, si bien en principio hicieron del grupo un medio de subsistencia en la Argentina con hiperinflación; con los años rescataron músicas olvidadas del rocanrol y la mezclaron con las nuevas tendencias fusionando estilos diversos como el surf rock y el trip-hop entre otros. Por otra parte la estética de la banda fue enmarcada en el arte pop, y la psicodelia hippie. Canción 5: Todo Cambia Canción 6: Olvídate de mí Escuchábamos las canciones Todo Cambia y Olvídate de mí del disco Perro de Playa de la agrupación Man Ray conformada en la segunda mitad de los años ochenta por la vocalista Hilda #Lizarazu y el guitarrista Tito #Losavio. Tras un primer disco no muy exitoso producido por Andrés Calamaro en 1988, la banda retornó a los estudios de grabación en 1991 tras hacer experiencia en proyectos consolidados como Twist y #Charly #García del que #Hilda era la corista, para editar entonces Perro de Playa. La producción de este disco tuvo la particularidad de que el dinero fue donado por un fan de la banda, también García colabora en la producción de este disco que vendió cerca de 30.000 copias en menos de seis meses. Canción 7: Basta fuerte Canción 8: Nene de antes Tras la muerte de Luca #Prodan líder de la agrupación Sumo en 1987, la banda tuvo una escisión en dos, por un lado nació el grupo Las #Pelotas y, por otro, #Divididos, que en un principio se llamaron La División, sin embargo y en homenaje a la canción de Sumo, Divididos por la felicidad se quedaron Divididos. Justamente de ellos escuchábamos las canciones Basta fuerte del disco Otro Le Travaladna de 1994, un título bastante sugestivo si se lee de atrás para adelante. Escuchábamos también la canción Nene de antes del álbum de 1998 Gol de Mujer. “La #Aplanadora del Rock” como se le conoce a Divididos con el paso de los años ha superado la leyenda de Sumo gracias a sus discos y a su miles de seguidores incondicionales que los acompañan y vitorean en cada una de sus presentaciones. Canción 9: El farolito Canción 10: Maradó El rock barrial es una de las vertientes roqueras que se generó en la Argentina desde los años ochenta en una banda épica conocida como Los #Redonditos de #Ricota. En los noventa, la herencia de “Los Redondos” recayó sobre Los Piojos una banda surgida de algunos barrios de la zona oeste del Gran Buenos Aires de la mano del cantante y compositor Andrés Ciro Martínez. Los Piojos que tienen entre sus principales influencias a los Rolling Stones y el candombe representan también con su música a los chicos desposeídos que de igual manera corresponden con llenos totales en los conciertos de la banda. De Los #Piojos escuchábamos las canciones El farolito y Maradó de su tercer álbum titulado Tercer Arco de 1996. Canción 11: Quiero estar entre tus cosas Canción 12: Amazona Del álbum Travesti, el cuarto en la carrera de Daniel #Melero, escuchábamos los temas Quiero estar entre tus cosas seguido de Amazona. La carrera de Melero ha sido una de las más versátiles dentro del Rock Argentino; si bien su principal foco han sido tendencias sonoras electrónicas como el tecno, este disco es el primero en proponer algo mucho más ligado al pop que a lo electrónico. Melero es un artista inquieto que con el devenir de los años ha conseguido proyectos brillantes de manera acústica como el álbum Piano de 1999 o trabajos mastodónticos como el álbum quíntuple editado en 2004 titulado Después. Canción 13: Rock del gato La pasión de los argentinos por el rocanrol es tal que la producción discográfica y la aparición de bandas es casi diaria y es justamente esa pasión la que mueve a los roqueros argentinos a hacerse hinchas de los grupos tanto nacionales como extranjeros al punto tal de convertir los lugares donde hay shows en verdaderas tribunas futboleras con banderas, precarios juegos de luces pirotécnicas, cánticos y emoción. Una de las bandas que más pasión genera son los #Ratones #Paranoicos, una banda con más de dos décadas de historia que ha asumido su música como una herencia del sonido de los Rolling Stones de manera muy fiel que ha sido reconocida por músicos como #Pappo y Charly García y los mismísimos Stones a los que les abrieron cinco shows consecutivos en 1994. De los Ratones Paranoicos escuchábamos Rock del gato y con ellos llegamos al final de “Rocanrol Búmerang” escuchando la canción Paren de correr. Soy Félix Sant-Jordi y en los libretos está Umberto Pérez, hasta la próxima. Canción 14: Paren de correr

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La Ley


Hola, estás una vez más en “Rocanrol Búmerang”. Yo soy Félix Sant-Jordi y con Umberto Pérez, que me acompaña en los libretos y la investigación, te damos la bienvenida para que recordemos juntos, las múltiples historias del rock hispanoamericano, con los grupos y los discos que marcaron el camino de la música popular del Siglo XX en Hispanoamérica. Hoy una de las bandas chilenas más populares de los años noventa, La Ley.

Canción 1: Prisioneros de la piel
Canción 2: Doble opuesto

Escuchábamos las canciones Prisioneros de la piel, seguida de Doble Opuesto que da  título al primer disco larga duración de La Ley. La prehistoria de La Ley encuentra en 1987 a un trío liderado por el tecladista Rodrigo #Aboitiz en compañía de la vocalista  Shia #Arbulú y el guitarrista Andrés #Bobe. Pero no sería sino hasta 1989 y tras la partida de la cantante, que llegarían a contar con Mauricio #Clavería en la batería, Luciano Rojas en el bajo y Alberto #Cuevas en la voz. Con esta formación, La Ley empieza a abarrotar los bares de Santiago cada vez que tocan. Rápidamente consiguen entonces grabar su primer disco. Aunque en realidad es su segunda grabación ya que editaron 500 copias de un trabajo al que titularon #Desiertos.

Canción 3: Desiertos
Canción 4: Angie

Del disco #DobleOpuesto de La Ley editado en 1991, escuchábamos dos sencillos exitosos en el territorio chileno, teníamos primero Desiertos, seguido de Angie una versión del “clásico” de los Rolling Stones muy ajustada al sonido de los nacientes años noventa, allí el uso de sintetizadores junto a una guitarra eléctrica resaltan incluso más que la voz. Este disco de La Ley tuvo una repercusión más que importante propiciándole al grupo su presentación casi inmediata en el Festival de #Viña del Mar y la grabación de su siguiente disco.

Canción 5: Autoruta (feel the skin)
Canción 6: Tejedores de ilusión

Del tercer disco de La Ley, titulado escuetamente “La Ley”, escuchábamos la canción Tejedores de ilusión y antes Autoruta (feel the skin). Este disco fue grabado en 1993 en Chile y Argentina y estuvo a cargo Mario #Breuer (productor e ingeniero argentino encargado también de complacer los caprichos sonoros de artistas como Charly García y Andrés Calamaro) y el guitarrista Andrés Bobe. Con este disco, La Ley empezaría a ser rotada en las radios de otras ciudades latinoamericanas abonando el terreno para sus trabajos posteriores.

Canción 7: En la ciudad
Canción 8: A veces (remix)

Hoy en “Rocanrol Búmerang” la discografía de La Ley en los años noventa. Justamente escuchábamos dos de los temas de su disco EP, lanzado en 1994 con el título de Cara de Dios. Teníamos primero En la ciudad, seguido del remix de A veces, canción que apareció por primera vez en el primer disco de La Ley. La historia de La Ley se parte en dos en 1994, después de cinco años de una carrera exitosa, la muerte tomó por sorpresa al grupo.  Andrés Bobe miembro fundador y guitarrista de La Ley, fallece en un accidente. Escuchemos ahora la canción Cielo market (la respuesta ‘oficial’ de La Ley a los medios de comunicación y su afán morboso tras la muerte de Bobe) y escuchemos también la canción Invisible.

Canción 9: Cielo market
Canción 10: Invisible

La muerte de Bobe pareció fortalecer a los demás miembros de La Ley. La aparición de Invisible, el cuarto disco del grupo, con Pedro Frugone a cargo de las guitarras, puso a La Ley en un lugar privilegiado del Rock Chileno. Editado en 1995 Invisible sonaría en todas las radios juveniles de América Latina y La Ley comenzaría una gira casi inagotable hasta la disolución de la banda. Al mismo tiempo que el éxito de la banda crecía, su desarrollo creativo también. De esta forma en 1998 alcanzarían el punto cumbre de su creatividad con Vértigo, su quinto disco en estudio. Justamente de este disco escuchemos la canción Guerrillero.

Canción11: Guerrillero

Tras la edición de Vértigo un disco con letras mucho más realistas y con un contenido social importante, el bajista Luciano Rojas decide ocuparse en proyectos personales renunciando al grupo. La Ley resuelve entonces mantenerse como trío, pero la ausencia de Luciano Rojas y la precisión musical y compositiva de los discos Vértigo e Invisible, ocasionarían un declive profundo en la calidad musical del grupo. Si bien, Uno, título del siguiente disco de la banda, editado en 1999, funcionó de manera increíble en las radios, la música ya no proponía mucho y las letras se acomodaban a la simpleza que el mercado pop imponía. El interés de la crítica especializada hacia La Ley entonces se desvaneció, y, el trono del rock en español, que durante mucho tiempo ocupó por derecho propio Soda Stereo, y en el que por un momento pareció sentarse La Ley quedó vacante. Tras la edición de Uno, aparecería un disco aún más comercial para dar paso a la definitiva disolución de la banda. Soy Félix Sant-Jordi y con Umberto Pérez que me acompaña en los libretos, nos despedimos de esta edición de “Rocanrol Búmerang”, con la canción Ciertos civiles del disco Vértigo de La Ley. Hasta pronto.

Canción 12: Ciertos civiles


Canción extra (bonus track): Día Cero

Virus

Hola, una vez más te damos la bienvenida a “Rocanrol Búmerang”, las historias del rock hispanoamericano. En el programa de hoy repasaremos la vida y las canciones de uno de los grupos más importantes del #RockArgentino, un grupo que rompió las ataduras solemnes que a comienzos de los años ochenta y antes del regreso de la democracia a la Argentina, desafió a la sociedad y al mismo rock con una propuesta hedonista. Soy Félix Sant-Jordi y Umberto Pérez que me acompaña en los libretos los invitamos a sumergirnos en la vida de #Virus. Canción 1: Soy moderno, no fumo Del álbum debut de Virus titulado Wadu Wadu, publicado en 1981 escuchábamos una de sus canciones más importantes: Soy moderno, no fumo. Virus apareció en Buenos Aires a comienzos de la década de los #ochenta para romper con el rock acartonado y resistente que sobrevivía a los años más pesados de la dictadura. La columna vertebral de la banda eran los hermanos Moura, Federico que se desempeñó como frontman, cantante y voz pública del grupo, Marcelo a cargo de los teclados y Julio que se encargaría de la guitarra; con ellos se encontraban el baterista Mario Serra, el bajista Enrique Mugetti y el guitarrista Daniel Sbarra. Canción 2: Todo este tiempo perdido Canción 3: El banquete De Virus escuchábamos los temas Todo este tiempo perdido que pertenece a su primer disco y en seguida El banquete correspondiente al segundo, editado en 1982 con el título Recrudece. Esta canción fue compuesta como respuesta y rechazo a la invitación hecha a Virus para que participara en el Festival de la Solidaridad Latinoamericana organizado por el gobierno militar al que asistieron varias figuras del #RockNacional argentino. El tema es un fiel reflejo escéptico de la banda ante la desfachatez del gobierno en plena Guerra de las Malvinas y un panorama social y político desolador, más aun, cuando se les invita a derrochar dinero en una dolorosa fiesta militar en la que los roqueros son manipulados. Canción 4: Amor descartable Del cuarto disco de Virus llamado #Relax escuchábamos la canción Amor descartable. Continuando con la historia, si bien los dos primeros discos de Virus resultaban innovadores, sería con Agujero Interior y con Relax que la banda alcanzaría niveles creativos importantes y un público masivo. Con la llegada de la democracia a la #Argentina en 1983, las bandas locales encontraron un espacio más propicio para desarrollarse, sobre todo aquellas que hacían énfasis en el baile y el pop; por supuesto Virus era la principal y junto a Twist y Soda Stereo, cimentaron otra forma de sentir la música. Canción 5: Una luna de miel en la mano Canción 6: Pronta entrega En 1985 Virus graba Locura un disco que contó al igual que los anteriores con las líricas de Roberto Jacoby, estas letras poseen un contenido sexual más fuerte y explícito que, sumadas a un formidable uso de cajas de ritmo y secuencias hacen de éste su mejor disco. Justamente de Locura escuchábamos las canciones Una luna de miel en la mano y Pronta entrega. Tras tres discos estupendos y bien parados en el clímax de su carrera, Virus decide celebrar con sus fanáticos en el estadio de Obras durante tres shows consecutivos los días 15,16 y 17 de Mayo de 1986. El resultado es el registro de un disco doble llamado simplemente Virus en Vivo. De este concierto escuchemos las canciones Hay que salir del agujero interior y Sentirse bien. Canción 7: Hay que salir del agujero interior Canción 8: Sentirse bien Hoy en “Rocanrol Búmerang” la historia de ese maravilloso sexteto argentino llamado Virus. Los conciertos en el estadio Obras Sanitarias demostraron que toda la energía emanada por Virus pasaba por un canal imprescindible, el espíritu de la banda era claramente #FedericoMoura. Un cantante excepcional que dejaba todo en el escenario. Desde el inicio de la banda, Federico se encargó de dirigirla en todos los aspectos, así, su desdeño por las música y las letras profundas consiguieron una sencillez exquisita y provocadora para los músicos serios y una sociedad pacata, oculta mucho tiempo tras el velo de la dictadura. La invitación de Virus desde un principio fue a gozar de una libertad verdadera, disfrutando al máximo de los placeres terrenales concentrados en el baile y el cuerpo. Canción 9: Amores perpetuos Canción 10: Rumbos secretos Del disco Superficies de Placer escuchábamos las canciones Amores perpetuos y Rumbos secretos. 1987 partiría en dos la historia de Virus. En plena grabación del disco Superficies de Placer, Federico Moura se enfermó a causa de una neumonía que se complicó. Los médicos le sugirieron al vocalista hacerse una prueba para detectar la presencia del virus VIH hasta entonces desconocido, la prueba dio positivo. El resultado musical es entonces un disco introspectivo que casi en su totalidad estuvo a cargo de Federico. Su deterioro físico no amainó sus deseos de seguir haciendo música y presentado directos de la banda. Tras el doloroso golpe de la noticia, la banda a excepción de Federico tuvo serios tropiezos anímicos superados gracias a la voluntad de éste. Escuchemos ahora el tema Un amor inhabitado. Canción 11: Un amor inhabitado Federico Moura falleció de SIDA el 21 de Diciembre de 1988, tan sólo alcanzó a participar en el tema que recién escuchábamos y que pertenece al disco de 1989 Tierra del Fuego. Este disco vio la luz gracias a Federico Moura ya que, casi obligó a la banda a seguir trabajando en la grabación mientras él se extinguía. Tras su muerte Marcelo Moura, su hermano, ocupo su lugar como vocalista pero no como centro estético y crítico provocador del grupo. La entrega total a la música y el legado fueron recibidos entonces por bandas como Babasónicos y músicos y amigos de Federico como Charly García y Javier Calamaro. Por su parte, Virus continuó durante un tiempo pero su sonido se centró más en el rock que en el dance que los caracterizó siempre. La década de los noventa fue casi silenciosa para la banda pero el tercer milenio los arrojó de nuevo a los escenarios para recordar que un día Federico Moura pintó de colores la bandera albiceleste argentina. Yo soy Félix Sant-Jordi y en compañía de Umberto Pérez los dejamos con la canción Imágenes paganas. Imágenes paganas. Canción extra (bonus track): Wadu Wadu Canción extra (bonus track): Polvos de una relación

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Radio Futura

Hola, estás una vez más en “Rocanrol Búmerang”, en donde puedes escuchar las muchas historias acontecidas durante más de cuarenta años en el rock hispanoamericano. Hoy una de las bandas más importantes del rock y el pop hecho en España durante ese brillante periodo creativo que se conoció como La Movida Madrileña. Yo soy Félix Sant-Jordi y con Umberto Pérez que me acompaña en la investigación y libretos, te damos la bienvenida. Hoy en “Rocanrol Búmerang”, Radio Futura.

Canción 1: Enamorado de la moda juvenil
Canción 2: La estatua del jardín botánico

Enamorado de la moda juvenil, es el título de la primera canción que escuchábamos hoy en “Rocanrol Búmerang” seguida de La estatua del jardín botánico. Las dos canciones representan los dos momentos claves en la historia de Radio Futura. Enamorado de la moda juvenil, corresponde a la primera etapa del grupo. En pleno 1980 con su debut discográfico llamado Música Moderna, Radio Futura se convierte en el grupo definitivo de La Nueva Ola y La Movida Madrileña que empezaba a dar sus últimos coletazos. Por su parte La estatua del jardín botánico, representa la incursión de Radio Futura en periodo mucho más elaborado y lírico, lejos de las divertidas jornadas nocturnas de los primerísimos años ochenta.

Canción 3: Escuela de calor
Canción 4: Semilla negra

Escuchábamos las canciones Escuela de calor y Semilla negra, dos éxitos que corresponden al disco La Ley Del Desierto, La Ley Del Mar, el segundo álbum de Radio Futura. La historia ubica a los hermanos Santiago y Luís Auserón en una convocatoria hecha por el tecladista Herminio Molero para formar una banda de rock con tendencias a la música electrónica pero también a la música popular. Tras un breve periodo de ensayos la banda consigue grabar su primer disco que obtiene inmejorables comentarios por parte de la crítica. El momento culminante de este periodo es el concierto como teloneros de Elvis Costello en Barcelona a finales de 1979.

Canción 5: Oscuro affaire
Canción 6: El viento de África

De la agrupación española Radio Futura, escuchábamos las canciones Oscuro affaire seguida de El viento de África. Después de la publicación del primer disco, Radio Futura entra en una crisis debido a tensiones entre Molero y Santiago Auserón por la dirección diferente que cada uno quería darle al grupo. Como consecuencia de esto quedó la partida de Molero y el baterista Javier Grueso del grupo y la dirección absoluta del grupo a cargo de los hermanos Auserón.
Canción 7: En alas de la mentira
Canción 8: Condena del amor

Hoy  en “Rocanrol Búmerang” estamos revisitando la historia y algunos de los clásicos de Radio Futura. Recién escuchábamos las canciones En alas de la mentira y Condena del amor. Luego de la partida de Molero en un principio el líder creativo de Radio Futura, los hermanos Auserón y el resto de la banda lograron superar lo conseguido durante los tres primeros años y llegan a abanderar el Rock español de los años ochenta. La edición del sencillo La Estatua Del Jardín Botánico y un año después la publicación del disco La Ley Del Desierto, La Ley Del Mar impulsa a los chicos de Radio Futura a consolidarse como grupo a través de sendas giras por todo el país.

Canción 9: A cara o cruz
Canción 10: Paseo con la negra flor

De Radio Futura escuchábamos las canciones A cara o cruz y Paseo con la negra flor, un tema grabado en directo dedicado a la ciudad de Barcelona y que hace parte de Escuela De Calor, un álbum doble en directo grabado en 1989. Tras varias formaciones a través de los años y de los discos, Radio Futura se consolidaría como un trío básico en el que además de Luís y Santiago Auserón, el guitarrista Enrique Sierra los acompañaría en todas las grabaciones y que pese a sufrir una seria enfermedad en los riñones que efectivamente lo marginaron de muchos de los conciertos, este se mantendría hasta el final del grupo. Tras la grabación del disco en concierto, Radio Futura entra nuevamente a los estudios de grabación para trabajar en Veneno En La Piel, el último disco editado de la banda cuando aún no se había separado.

Canción 11: Luna de Agosto

Escuchábamos a Radio Futura en directo con la canción Luna de Agosto. Luego de la grabación del disco Veneno En La Piel, Radio Futura se abocó nuevamente a las carreteras para concluir definitivamente la carrera del grupo el 30 de Septiembre de 1990 en el auditorio Las Rozas, en Madrid, cerrando de manera espléndida la última gira del grupo que su vez fue la más contundente. A pesar de que Radio Futura grabó pocos discos, estos fueron suficientes para convertirse en la banda de rock, de pop y de new wave más importante de España (y en España) durante los ochenta. El estilo propio impuesto por los hermanos Auserón con tendencias hacia la música negra, en búsqueda de una música hispana propia, a la que llamaron funky-punk, fue suficiente para que 15 años después la banda sea homenajeada por músicos de España y América Latina. Tras la disolución de Radio Futura, cada integrante se dedicó a proyectos musicales personales, destacándose Santiago Auserón sobre los demás, ya que su destreza compositiva le permitió iniciar una carrera como cantautor bajo el seudónimo de Juan Perro. Sin embargo esa es otra historia… Yo, Félix Sant-Jordi y Umberto Pérez que me acompaña en la investigación, nos despedimos con la canción Veneno en la piel. Hasta la próxima.

Canción 12: Veneno en la piel

Los Speakers en el Maravilloso Mundo de Ingesón

En este episodio celebramos un disco realmente importante. Uno de los mejores discos del #rock nacional, editado en 1968, quizá el primer disco independiente en la historia del rock colombiano. Tan sólo mil copias, que con el paso de los años desaparecieron en manos de coleccionistas colombianos y extranjeros que impidieron hasta ahora la posibilidad de que los roqueros puedan escuchar el mejor disco de #LosSpeakers. Hoy con orgullo “Rocanrol Búmerang” presenta la reedición de The Speakers en el Maravilloso Mundo de Ingeson. Canción 1: Por la mañana Canción 2: Oda a la gente mediocre Comenzábamos con Por la mañana y Oda a la gente mediocre, las primeras dos canciones de The Speakers en el Maravilloso Mundo de Ingeson, el último disco de Los Speaker antes de su disolución. Pero, hagamos un breve repaso ante de llegar a este disco. Los Speakers publican su primer disco en 1965 y a partir de entonces lideran la movida rocanroleara del país, en compañía de bandas como Los Flippers, Los Ámpex y Los Young Beats. Sin embargo y tras cambios drásticos en la formación del grupo y también en la actitud de “los melenudos” como llamaban a los jóvenes roqueros del país, a comienzos de 1968, se perfila un momento contundente para la primera generación del rock colombiano. Escuchemos entonces dos canciones de los primerísimos Speakers, en primer lugar tendremos una versión de I need you, una canción de los Beatles compuesta por George Harrison y luego escucharemos El profeta habla del fin, del español Rodrigo García miembro original de Los Speakers Canción 3: I need you Canción 4: El profeta habla del fin Los Speakers, resultó de la unión de dos bandas bogotanas que por ese entonces inventaron el rock en este país, Los Dinámicos que contaba entre sus filas al gran Humberto Monroy y a Fernando Latorre y Los Electrónicos, de los hermanos Dueñas. Tras publicar un disco con Sello Vergara son fichados por Discos Bambuco con quienes llegan a grabar tres discos de un contrato de cuatro entre 1966 y 1968, en este tiempo, la formación de la banda cambia con la incursión de Óscar Lasprilla y el baterista de Los Young Beats y Time Machine, el italiano Roberto Fiorilli. Escuchemos dos canciones más de Los Speakers de sus álbumes con Discos Bambuco, primero Mr Space Man original de The Byrds, banda californiana inventora del folk-rock y luego tendremos Te Olvidaré, composición del guitarrista Óscar Lasprilla. Canción 5: Mr Spaceman Canción 6: Te olvidaré Hoy en “Rocanrol Búmerang” estamos rindiendo homenaje al disco The Speakers en el Maravilloso Mundo de Ingeson y celebrando su edición en disco compacto. Los Speakers estuvieron en una importante gira por varias ciudades de Ecuador en 1968 tras publicar su tercer disco con la disquera Bambuco llamado simplemente The Speakers caracterizado por ser el primero en contener cancines íntegramente compuestas por miembros del grupo. Sin embargo, el guitarrista Óscar Lasprilla quien también había pasado por las bandas Los Ámpex y Time Machine, cansado decide abandonar la agrupación. Los Speakers quedaban entonces conformados por Humberto Monroy en el bajo, Roberto Fiorilli en la batería y el multiinstrumentista Rodrigo García encargado de todo lo demás. Los tres se aventuran la tarea de un nuevo disco, pero este no sería un disco cualquiera. Canción 7: Hay un extraño esperando en la puerta Canción 8: Si la guerra es buen negocio, invierte a tus hijos Del disco The Speakers en el Maravilloso Mundo de Ingeson, escuchábamos las canciones Hay un extraño esperando en la puerta, seguida de Si la guerra es buen negocio, invierte a tus hijos. Continuando con la historia Los Speakers. Motivados por las nuevas tendencias del rock en Inglaterra y Estados Unidos, deciden hacer un disco con música compuesta por ellos mismos, música novedosa que reflejara el mundo psicodélico entendido desde el rock de Los Speakers. Un disco conceptual, que desde la misma carátula llevara al que lo escuchara por terrenos nunca antes conocidos. Pero para lograr esto, los tres miembros de Los Speakers tuvieron que recorrer un terreno bastante difícil. Discos Bambuco no entendió la propuesta y más acostumbrados a la música de ‘la nueva ola’, música blandita para adolescentes deciden no arriesgar y clausuran el contrato que tenían con Los Speakers quienes se ven en la tarea asumir los gastos completos de la grabación de este ambicioso proyecto, pero algo importante les falta, el estudio de grabación. Canción 9: Reflejos de la olla Canción 10: Historia de un loto que floreció en otoño Escuchábamos las canciones Reflejos de la olla e Historia de un loto que floreció en otoño, que componen el disco The Speakers en el Maravilloso Mundo de Ingeson. Ingeson era un estudio de grabación propiedad de Manuel Drezner, un empresario que interesado en el proyecto de Los Speakers decide ayudarles. El estudio recientemente había actualizado sus equipos de grabación con aparatos modernos que lo ponían a la vanguardia en América Latina, por lo tanto Los Speakers podrían llevar a cabo todas las ideas pensadas para su nuevo disco. Las únicas condiciones que impone Drezner son las siguientes, sólo pueden trabajar entre la noche y la madrugada ya que en el día el estudio es alquilado, sobra decir, que él no les cobró nada y la segunda condición es incluir el nombre del estudio en el título del disco. De esta forma y gracias a los increíbles equipos del estudio, Los Speakers bautizan su quinto disco como The Speakers en el Maravilloso Mundo de Ingeson. Canción 11: Niños Canción 12: No como antes Niños y No como antes, eran las canciones que escuchábamos de The Speakers en el Maravilloso Mundo de Ingeson, el disco que hoy orgullosamente revisitamos en “Rocanrol Búmerang” gracias a la primera edición que se hace del mismo en disco compacto. El álbum contó con 12 canciones compuestas por los miembros del grupo, cada uno de ellos aportó cuatro piezas en las que se notaban claramente las intenciones tanto sonoras como líricas de cada uno de ellos. Las canciones de Fiorilli eran las más arriesgadas en cuanto a la innovación con efectos de sonido, las de García se inclinaban más por los arreglos barrocos y las de Monroy empezaban a avisar lo que años después haría con Génesis, canciones profundamente influidas por el folk-rock norteamericano. Además la grabación del disco en consolas de varios canales benefició el producto final que cuenta con múltiples efectos e instrumentos. Escuchemos ahora las canciones La banda le hace a usted caer en cuenta que…, seguida de la hermosa pieza instrumental Nosotros, nuestra arcadia, nuestra hermanita pequeña, gracias por los buenos ratos. Canción 13: La banda le hace a usted caer en cuenta que… Canción 14: Nosotros, nuestra arcadia, nuestra hermanita pequeña, gracias por los buenos ratos Para la parte gráfica del disco decidieron editar un libro visualmente impactante. Las fotografías corrieron a cargo del amigo de Roberto Fiorilli, el también italiano Danilo Vitalini que obturó su cámara más de 300 veces durante las sesiones fotográficas llevadas a cabo en las afueras de la ciudad y el montaje e impresión estuvo a cargo de Luigi Sandra, también amigo y coterráneo de Fiorilli. Por otro lado la tapa del disco fue un dibujo de la banda realizado por Ricardo Cortázar, amigo del grupo que los pintó desnudos, barbados y mechudos, pero un comité ético censuro este dibujo por lo cual fue cambiado por otro en el que vestían largas túnicas; el desquite fue la contratapa con una foto de Vitalini en la que aparecían desnudos entre un paisaje lleno de arbustos. También los jóvenes artistas Carlos Granada y Augusto Rendón que luego serían premiados en el Salón Nacional de Artistas, aportaron sus obras para ilustrar el disco. Además el joven escritor Darío Ruíz plasmó en un escrito una profunda reflexión sobre el momento cultural y social que atravesaba Colombia y la juventud. Momento que se refleja en muchas de las canciones de The Speakers en el Maravilloso Mundo de Ingeson y posteriormente en Génesis el proyecto que llevaría a Humberto Monroy a explorar la realidad social y musical de Colombia. Escuchemos a continuación las canciones de Génesis Don Simón, Sueñas quieres dices y una versión de la Cumbia cienaguera. Canción 15: Don Simón Canción 16: Sueñas quieres dices Canción 17: Cumbia cienaguera Escuchábamos a Génesis, el grupo definitivo de Humberto Monroy, también líder y miembro fundador de Los Speakers, la banda que nos ocupa hoy en “Rocanrol Búmerang” y su increíble disco The Speakers en el Maravilloso Mundo de Ingeson que por primera vez ha sido editado en disco compacto gracias al genuino interés de Mario Galeano Toro, un joven músico bogotano interesado en rescatar discos extraviados de la discografía colombiana. Salga el Sol es el nombre de su proyecto y su disquera independiente que comienza una titánica y kamikaze labor con la edición de este disco que contó con toda la aprobación de Rodrigo García, Roberto Fiorilli y la familia del difunto Humberto Monroy. La edición es tan fiel a la original que trae un libro idéntico que incluye una pastillita que en su momento simulaba un ácido que invitaba a tener “experiencias extrasensoriales”, una broma jugada por la banda a quién comprará el disco, ya que al interior de la funda incluían chicles miniaturas de colores para que la experiencia fuera total no solo auditiva y visual sino que también el sentido del gusto y el del olfato fueran estimulados. Antes de que el disco fuera forrado era salpicado de aroma de rosas. Dicen los que compartieron esos días con el grupo, que varios de los compradores creyeron que efectivamente se trataba de un ácido y viajaron después de ingerirlo acompañados de The Speakers en el Maravilloso mundo de Ingeson. Escuchemos hora Un sueño mágico, una canción más de este mítico. Canción 18: Un sueño mágico El número de copias de la edición original de The Speakers en el Maravilloso Mundo de Ingeson costeada por los integrantes del grupo en su totalidad fue de 1000 de la que tan sólo se llegaron a vender 800, alcanzando apenas a recuperar algunos gastos. La idea de un gran disco no fue entendida ni por los medios ni por el total del público juvenil; la distribución y promoción también corrió a cargo del grupo dejándolos exhaustos al final de esta aventura. Tras esto Rodrigo García regresaría definitivamente a España y tanto Roberto Fiorilli como Humberto Monroy se embarcarían en proyectos que los conducirían a hacer una música original que incluía sonidos propios del rock como músicas tradicionales colombianas del altiplano y las costas. Luego de Siglo Cero, un proyecto común enmarcado en el rock progresivo y hippie, serían Columna de Fuego y Génesis las respectivas agrupaciones que llevarían a los últimos miembros de Los Speakers por caminos igualmente arriesgados como el de The Speakers en el Maravilloso Mundo de Ingeson. Mi nombre es Félix Sant-Jordi y en compañía de Umberto Pérez en la investigación, libretos y selección musical, agradecemos a Mario Galeano por devolver a la luz algo de nuestro rock perdido y nos despedimos con Salmo siglo XX, era de la destrucción, la última canción de The Speakers en el Maravilloso Mundo de Ingeson. Hasta la próxima. Canción 19: Salmo siglo XX, era de la destrucción

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Andrés Calamaro

Nuestro programa de hoy está dedicado a revisar la discografía perdida de un músico que en los últimos años ha demostrado tener una importancia fundamental dentro del rock hispanoamericano. Entre 1984 y 1989 Andrés Calamaro grabó cuatro discos en estudio que, con los años, se vieron eclipsados tras su magnífico trabajo con Los Rodríguez y su portentosa obra tras la disolución de estos. Así es, nuestro invitado es el querido salmón Andrés Calamaro. Umberto Pérez que me acompaña en la investigación y yo, Félix Sant-Jordi, les damos la bienvenida. Canción 1: Pasemos a otro tema Del disco Nadie Sale Vivo de Aquí de 1989 escuchábamos la canción Pasemos a otro tema. Para finales de los años ochenta la situación de los músicos en Argentina era crítica debido a la hiperinflación económica al final del gobierno de Alfonsín. Vivir de la música resultaba imposible y muchos músicos decidieron marcharse del país entre otros Fito Páez y Andrés Calamaro. Calamaro desembarcaba entonces en Madrid dejando atrás una carrera absolutamente prometedora en su país para iniciar un exitoso trabajo de grupo junto a Los Rodríguez. Canción 2: Miro por la ventana Canción 3: Otro amor en Avellaneda. A finales de los años setenta Andrés Calamaro iniciaba su carrera musical como miembro de la banda Raíces, de la cual quedó algo más que un sencillo, para luego - tras una breve parada en la Elmer Band - desembarcar en la nave que conducía Miguel Ángel Peralta, más conocido como Miguel Abuelo. Entre 1982 y 1986 Andrés participó en cinco discos de Los Abuelos de la Nada y formó parte de la banda de Charly García como tecladista. Aún entre tanta actividad musical Calamaro tuvo tiempo de componer y grabar su proyecto como músico solista. Es así que graba en 1984 Hotel Calamaro del que escuchábamos anteriormente las canciones Miro por la ventana y Otro amor en Avellaneda. Canción 4: Fabio Zerpa tiene razón Canción 5: Vi la raya Escuchábamos de Andrés Calamaro las canciones Fabio Zerpa tiene razón del disco Hotel Calamaro de 1984 y Vi la raya del disco de 1985 Vida Cruel. La gestación de los dos primeros discos solistas de Calamaro contaron con una gran cantidad de amigos fraternos; además de algunos Abuelos de la Nada, como Gustavo Bazterrica y Cachorro López, Calamaro había trabado amistad con los GIT, que eran la banda soporte de Charly García, y también con gente como Pippo Cipolatti de Twist, y con Richard Coleman y Fernando Samalea del grupo Fricción. Este “salón de la fama” contaba con la colaboración de Charly García y Mario Breuer en la producción y alguna aparición fugaz de Spinetta, y aun así estos dos primeros discos de Calamaro fueron extrañamente ignorados casi en su totalidad por la crítica especializada. Canción 6: Acto simple Canción 7: Sobran habitaciones Del disco Vida Cruel de Andrés Calamaro editado en 1985 escuchábamos los temas Acto simple y Sobran habitaciones. Sin importar que los dos primeros discos como solista de Calamaro no dieran resultado, él continuó su carrera. En 1988 y ya lejos de los proyectos de Charly García y Miguel Abuelo, aparece su tercer disco con el nombre Por Mirarte, un trabajo en que se notaba el crecimiento de Andrés como músico y como escritor de canciones. Por Mirarte era una apuesta por el rocanrol en el que Calamaro apuntaba desde ya a la dirección que se buscaba, canciones sencillas sin mucha sobreproducción y letras sensacionales. Canción 8: No te bancaste Canción 9: Los dientes apretados De Por Mirarte escuchábamos los temas No te bancaste, un tema que sería rehecho para el mastodóntico álbum quíntuple llamado El Salmón y también una canción tan hermosa como dolorosa, en donde el amor y la soledad confluyen en un frío andén al amanecer Los dientes apretados. El disco Por Mirarte contaba una vez más con la colaboración de grandes músicos argentinos, algunos autoexiliados y que luego serían claves en el desarrollo de la carrera de Calamaro en España, entre estos amigos estaban Sergio Makaroff y Ariel Rot, y también las mancuernas compositivas de Andrés, Marcelo ‘el Cuino’ Scornik y Augusto ‘Gringui’ Herrera. Canción 10: Me olvidé de los demás Canción 11: Loco por ti Hoy en “Rocanrol Búmerang”, la primera discografía solista de Andrés Calamaro, trabajos realizados durante los años ochenta. Del disco Por Mirarte de 1988 escuchábamos las canciones Me olvidé de los demás cantada por Andrés Calamaro en compañía de León Gieco y luego Loco por ti, esta última compuesta por Sergio Makaroff. Tras la grabación de Por Mirarte Calamaro grabó el disco en directo Live in Ayacucho en el que recorría parte de sus tres discos solistas, parte del trabajo con Los Abuelos de La Nada y algunos clásicos del rock. Posterior al disco en directo Calamaro se embarca en su proyecto más ambicioso hasta entonces, el disco Nadie Sale Vivo de Aquí. De este álbum de 1989 escuchemos las canciones Señal que te he perdido y Adiós amigos adiós. Canción 12: Señal que te he perdido Canción 13: Adiós amigos adiós. Nadie Sale Vivo de Aquí, iba un paso más allá de su antecesor y se aproximaba más a las canciones que luego harían de Calamaro un letrista impresionante. Ya sea con canciones a amor, melancólicas o divertidas, son canciones llenas de metáforas en las que la ausencia y la perdida relucen por encima de todo lo demás y en la que los personajes en su mayoría hombres marginados o perdedores andan errantes en busca de un trago, un amigo, o un viejo amor que no se olvida. Por otra parte, Calamaro además de ser heredero fiel del rocanrol más básico de los Rolling Stones y Bob Dylan también deja ver influencias de grupos como Steely Dan y un profundo interés por la música popular latinoamericana ya sea un bolero, una ranchera o un tango. Justamente es esa la riqueza de Nadie Sale Vivo de Aquí, una profunda exploración en vastos territorios. Como muestra de esto escuchemos las canciones No tengo tiempo y Con la soga al cuello, este último con la colaboración de Vicentino Capello. Canción 14: No tengo tiempo Canción 15: Con la soga al cuello Una vez más vamos llegando al final de “Rocanrol Búmerang” rock hispanoamericano. Andrés Calamaro desembarca en 1990 en la ciudad de Madrid y junto a su amigo Ariel Rot y los españoles Julián Infante y Germán Vilella todos exmiembros de la banda Tequila, importantísima en España, forman Los Rodríguez. Calamaro retomaría su carrera en solitario en 1997 con una vasta producción de canciones que lo han traído hasta 2007 con un nuevo disco titulado El Palacio de la Flores y un nuevo proyecto de la mano de Cachorro López. Mucha agua ha corrido debajo de ese puente y el Salmón ha sobrevivido a la corriente. Soy Félix Sant-Jordi y Umberto Pérez me acompaña en la investigación y libretos. Nos despedimos con dos temas del disco Nadie Sale Vivo de Aquí, el tema que le da nombre al disco y Vietnam en el que colaboran Fito Páez y Gustavo Cerati. Hasta la próxima. Canción 16: Nadie sale vivo de aquí Canción 17: Vietnam Canción extra (bonus track): Las guerras Canción extra (bonus track): Johny B good #Calamaro #Argento #Argentino #PopRock

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